Креативная индустрия в Центральной Азии развивается быстрыми темпами, а специалисты стремятся поддерживать друг друга, создавать крутые коллаборации и комфортные условия для работы. Мы тоже будем знакомить вас с представителями креативной экономики стран региона в рубрике «Креативный класс». Сегодня Анита Тураджанова рассказала о важности внедрения искусства в повседневную жизнь.
Анита Тураджанова, 30 лет, город — Ташкент, художник, @anita.turadjanova
О себе
Я художник. В своем творчестве исследую темы идентичности, феминизма и саморефлексии. Женский образ занимает центральное место в моих работах, поскольку через него я выражаю близкие мне смыслы. Узбекская культура также глубоко вдохновляет меня, даруя большие возможности для творческих экспериментов и поиска новых форм.
Свой стиль я определяю как «условный реализм»
Свой стиль я определяю как «условный реализм», где академическое рисование служит основой для создания образов, понятных зрителю. Я люблю играть с пространством, нарушать традиционные законы перспективы, добавляя художественные акценты и преображая реальность, но при этом сохраняя точность и реалистичность в изображении людей, архитектуры, природы и других элементов.
Помимо живописи, я делюсь опытом и знаниями, преподавая. Это позволяет мне расширять границы собственного творчества и вдохновлять других.
О профессиональной деятельности
Интерес к рисованию возник еще в детском саду. Тогда это было лишь одним из множества занятий, которые часто осваивают дети.
Когда настало время выбора профессии, стало очевидно, что именно рисование — единственное из всех увлечений, которое по-настоящему меня захватило. Поэтому после школы я поступила в Республиканский художественный колледж имени П. Бенькова в Ташкенте, чтобы развиваться в этом направлении. Моим наставником стал выдающийся Мирзаахмедов Хаким Каримович, воспитавший не одно поколение художников Узбекистана. Он не только привил мне любовь к искусству, но и стал образцом настоящего ищущего творца и глубокого человека.
Окончив колледж, я продолжила обучение на Факультете искусств Санкт-Петербургского государственного университета, где выбрала направление станковой живописи. Там я имела честь учиться у многих талантливых художников и педагогов, что оказало огромное влияние на мое развитие. Жизнь и учеба в Петербурге были непростыми. Но именно этот опыт сформировал меня как личность, заложив те ценности и убеждения, которые ведут меня и по сей день.
Моя первая работа в искусстве была связана с созданием картин и росписью мебели на заказ в небольшом гараже, который принадлежал одной художнице. Она собрала нас, молодых девушек, чтобы мы вместе занимались творчеством. Мы расписывали мебель аэрографом и рисовали картины в интерьер. Тогда я еще училась в колледже и не имела большого опыта, но мне доверяли важные заказы, что придавало уверенности. Гараж был полон девичьих разговоров и переживаний, но нас всех объединяла любовь к искусству и общее дело. Один из первых крупных и запоминающихся заказов я получила, когда жила в общежитии и училась в СПбГУ. Мне нужно было написать копию картины американского художника на огромном холсте: три метра в длину и два метра в высоту. Копию я делала маслом, и на несколько недель комната наполнилась стойким запахом краски. Моя любимая соседка по комнате терпеливо переносила такое соседство, за что я ей безмерно благодарна.
Создание картин для меня — это способ взаимодействовать с окружающим миром, исследовать его и выражать себя
Создание картин для меня — это способ взаимодействовать с окружающим миром, исследовать его и выражать себя. Это процесс рефлексии и даже своего рода терапии. Ведь в своих работах я чаще всего поднимаю важные, порой болезненные темы. Например, непринятие обществом, как в картине «Неудобная», потребительское отношение к женщинам, отраженное в серии «Кис кис кис», или разбитые мечты, что я изобразила в работе «Плачь по Петербургу». Я убеждена, что художник должен говорить о темах, которые глубоко затрагивают его лично. Он не обязан мгновенно откликаться на текущие события ради того, чтобы оставаться «в тренде». Темы, такие как война, насилие, человеческие отношения, требуют вдумчивого, глубокого анализа. Только тогда произведения искусства становятся не поверхностной реакцией на происходящее, а осмысленным высказыванием.
Главная трудность, с которой я сталкиваюсь в процессе работы — это скорость. Я остаюсь медленным художником, и для достижения необходимого качества на холсте мне требуется больше времени, чем хотелось бы.
Это значительно замедляет процесс создания картин, ведь в моей голове множество идей, которые стремятся быть воплощенными как можно скорее. Порой, начиная работу над картиной и затягивая процесс, я теряю интерес к первоначальной теме или меня разочаровывает выбранный способ реализации замысла. В результате я продолжаю дописывать картину лишь из-за необходимости завершить начатое, а не по истинному вдохновению. Я также не работаю над несколькими картинами одновременно, так как не могу равномерно распределить свое внимание между ними. В любом случае мой интерес сосредоточен на одной работе, и это может привести к тому, что я охладею к другой. Поэтому, начав картину, я стараюсь завершить ее, уделяя столько времени, сколько потребуется.
Сегодня творчество имеет множество направлений. Человек может развиваться как в классических видах искусства — живописи, скульптуре и графике, так и в более современных формах, таких как инсталляция и перформанс. Главное — это неутомимое желание творить и выражать себя. Важно находить вдохновение как внутри себя, так и в окружающем мире, пропуская все через свои чувства. Не стоит создавать просто «красивое», ведь этого уже много. Лучше стремиться внести свой уникальный вклад в искусство. Не следует пытаться угодить всем или делать только коммерчески успешные работы, иначе есть риск стать безликим творцом.
Я творю независимо от того, есть вдохновение или нет. Для меня создание картины — это работа, которую нужно выполнять, как любую другую. Образ художника, махающего кистью в порыве вдохновения — всего лишь миф. На деле, чтобы достичь желаемого результата, нужно потратить много времени и сил. Часто приходится проходить через усталость и эмоциональные спады, но это часть процесса. Я не жду особого настроения, чтобы начать. Вдохновение обычно приходит в процессе работы. Главное — встать за мольберт и начать, а дальше все получится. Конечно, бывает сложно, но чем больше ты работаешь, тем легче погружаешься в творчество и находишь новые идеи. Творчество — это труд и дисциплина, а не просто вдохновение.
О развитии креативной индустрии в Центральной Азии
Художник будущего не боится использовать искусственный интеллект в своем творчестве. При этом он не передает машине всю работу, а применяет ИИ как инструмент для упрощения процесса. Технологии помогают ему находить новые формы самовыражения. Но личный вклад всегда остается важным.
Также художник будущего — это человек, который интересуется тем, что происходит вокруг него, в его стране и мире. Он не просто изображает проблемы общества, но стремится обратить на них внимание и, возможно, изменить что-то к лучшему. Через свое искусство он создает диалог между людьми, помогая увидеть недостатки и найти пути их решения. Он не просто отражает современность, но и вдохновляет на перемены.
В последние годы креативная индустрия в Центральной Азии активно развивается. Все больше художников обращаются к своим культурным корням, совмещая национальные мотивы с современными трендами. Это делает их работы уникальными и привлекает внимание на международном уровне. Технологии играют большую роль в этом процессе. Интернет и социальные сети помогают творческим людям находить аудиторию, у которой возник спрос на актуальное искусство, но с национальным колоритом. Кроме того, возрастает интерес к экологическим и социальным темам. Креативная экономика будет расти и дальше, становясь важной частью культурного и экономического развития региона.
Представителей креативной индустрии в Центральной Азии волнует доступ к финансированию. Многие из них сталкиваются с трудностями в поиске средств для своих проектов. Важным вопросом остается также выход на международный рынок и продвижение своего искусства за пределами региона.
Нехватка галерей и платформ для демонстрации искусства — это серьезная проблема для креативной индустрии, особенно в Узбекистане. Художники часто не могут найти площадки для выставок своих работ, что ограничивает их возможности. Создание новых галерей и выставочных пространств могло бы помочь решить эту проблему, привлекая больше зрителей и поддерживая местных художников. Есть большой потенциал в онлайн-платформах, которые позволяют выставлять и продавать искусство. Такие площадки делают искусство доступнее для широкой аудитории, не ограничивая его рамками одного региона.
Создание благоприятной среды для художников в стране — это ключевой шаг для развития арт-рынка. Такая среда должна включать в себя поддержку со стороны государства, бизнес-сектора и общественных организаций. Это позволит художникам не только создавать и выставлять свои работы, но и активно участвовать в развитии культуры своей страны. Чтобы креативная индустрия стала широко известной за пределами страны, необходимо активное участие в международных выставках и фестивалях. Это возможность показать уникальность и разнообразие местного искусства. Важно также развивать сотрудничество с зарубежными художниками и кураторами, что поможет обмениваться опытом и идеями. Так интеграция в международное художественное сообщество, наряду с поддержкой местных инициатив, поможет повысить узнаваемость креативной индустрии Центральной Азии на мировом арт-ранке.
Создание благоприятной среды для художников в стране — это ключевой шаг для развития арт-рынка
Креативному классу не хватает большей интеграции искусства в повседневную жизнь людей. Искусство должно стать доступным и понятным, как поход в кино. Необходимо проводить больше выставок, мероприятий и мастер-классов в общественных местах, чтобы люди могли взаимодействовать с художниками и их работами. Кроме того, важно научить людей ценить и приобретать искусство, проводя образовательные программы и лекции о его значении и ценности. Я хотела бы изменить отношение к искусству, чтобы оно стало частью культурного опыта каждого, а не только узкого круга ценителей.